Основные понятия истории искусства с комментариями

Суперсодержательная книга! Ведь именно из нее черпают сведения авторы многих курсов по искусствоведению, предоставляя при этом своим слушателям лишь выжимки. Незаменима для самообразования.

Искусствоведческие книги — нелегкое чтиво. По крайней мере, если речь не идет о двухстраничном отзыве, продающем тексте или посте в блоге, то мне надо собраться, чтобы прочитать. В процессе надо вникать, рассматривать или (реже) вспоминать арт объекты, о которых пишет автор. Ну и наконец, если вы не из мира искусства, надо как-то выделить главное и запомнить его. Мне, конечно, помогло параллельное прохождение курса истории искусств и еще незабытое впечатление от музея Прадо в Мадриде. Музей, кстати, рекомендую всем. Я не ожидала такого сильного впечатления. Надеюсь, коронавирус с нами не навсегда. Так вот, если вы готовы к некоторым усилиям или если вы счастливчик, которому такое чтение дается легко и небесполезно одновременно, то читайте. Книга небольшая, но без воды и воспринимается неплохо, хоть ей больше ста лет. Всем хорошего.

Книга состоит из пяти глав, каждая из которых посвящена паре категорий, определяющих развитие стилей в искусстве. Несмотря на то, что работа была написана более 100 лет назад (первое издание — 1915 г.), она сохраняет актуальность.

Автор исследует общие принципы художественного восприятия, анализируя западноевропейское искусство XVI–XVII веков (Ренессанс и барокко). Он выделяет пять пар стилевых противопоставлений: 1. Линейное vs. живописное (чёткость контуров vs. динамика света и тени).

2. Плоскостное vs. глубинное (композиция слоями vs. акцент на перспективе). 3. Замкнутая vs. открытая форма (завершённость vs. динамичная незавершённость). 4. Множественность vs. единство (самостоятельность элементов vs. подчинённость главному мотиву). 5. Абсолютная vs. относительная ясность (детализация vs. общее впечатление).

Стиль, по мнению автора, определяется как индивидуальностью художника, так и духом эпохи. Эволюция искусства — не прогресс и не упадок, а смена форм восприятия, обусловленная внутренними (развитие художественного языка) и внешними (мировоззрение, традиции) факторами.

Критики упрекали автора в формализме, однако его подход стал основой для универсального анализа стилей. Форма для него — не просто техника, а «способ видения» эпохи, определяющий содержание.

В целом, эта книга полезна для того, чтобы хотя бы немного научиться различать классику от барокко. Ты начинаешь смотреть на картины по-другому. Обращаешь внимание на общее, целое, учишься «считывать» художественный язык, характерный для той или иной эпохи. Лучше уясняешь для себя, что, например, Рафаэль, Дюрер, Браманте – это классическое искусство, а Рубенс, Рембрандт, Бернини – это уже барокко. Для неподготовленного читателя книга довольно сложна и местами даже скучна для понимания. Необходимо иметь хотя бы базовые знания по теории и истории искусства. Лично мне приходилось перечитывать некоторые фрагменты несколько раз, а само чтение у меня заняло не один месяц. Еще мне попалось такое издание книги (2002), где местами названия произведений даются в оригинале на итальянском или немецком языке, т.е. не так, как мы привыкли на русском, что создавало некоторые трудности для понимания. А некоторые фамилии художников даны в непривычной транскрипции (например, Леонардо как Лионардо, а Вермеер как Фермер).

Наверное, я буду еще не раз возвращаться к этой книге позже, потому что она требует вдумчивого чтения и осмысления.