Czytaj książkę: «Абсолютный слух. 100 классических композиций, которые должен знать каждый»

Czcionka:

«Музыка воодушевляет весь мир, снабжает душу крыльями, способствует полету воображения; музыка придает жизнь и веселье всему существующему».
Платон

«Без музыки жизнь была бы ошибкой».
Фридрих Ницше

PERFECT PITCH: 100 PIECES OF CLASSICAL MUSIC TO BRING JOY, TEARS, SOLACE, EMPATHY, INSPIRATION (& EVERYTHING IN BETWEEN)

Tim Bouverie

Предисловиe

Эта книга была написана по воле случая во время локдауна. У меня не было доступа к архивам, необходимым мне для работы над текстом о дипломатии стран-союзников, который я должен был (и все еще должен) написать. Мне хотелось принести немного радости в мир, все сильнее заражавшийся пессимизмом, поэтому я решил каждый день посылать некоторым друзьям ссылки на мои любимые классические произведения. Я писал к ним по несколько строчек, обозначая контекст и делясь размышлениями. Постепенно эти «эссе» становились все более объемными, а мои комментарии – подробными. Что еще удивительнее, разросся и список адресатов: друзья начали просить включить в него братьев, сестер, родителей, партнеров, друзей и коллег. Похоже, я смог их чем-то зацепить, не только удовлетворив общее любопытство, но и проложив путь к классической музыке. Так у меня возникла идея написать небольшую книгу, где было бы минимум сложных терминов и лаконичная информация о ста классических шедеврах.

Я не музыкант и не музыковед. Я даже не историк музыки. Мой предмет исследования, если обозначать конкретно, – это политика и международные отношения в период между двумя мировыми войнами. Тем не менее я полюбил классическую музыку, когда мне не было еще и пяти лет; детская увлеченность опусами Генделя привела к восхищению Бахом, Бетховеном и особенно Моцартом. Затем к списку добавились Шуберт, Шопен, Шуман и Чайковский, а к моменту поступления в университет я попеременно слушал неделями Верди и Вагнера. Не все музыкальные работы меня восхищали. Хотя мой личный список любимых пьес постепенно стал включать в себя сочинения от начала восемнадцатого века до середины двадцатого, к некоторым композиторам я остался равнодушен. Читателя, может быть, удивит, что я не включил в подборку довольно популярные композиции, но, как мне кажется, есть что-то в теории, которая гласит, что любовь к одним произведениям почти наверняка означает, что другие тебе не понравятся вовсе; ценить все означает не ценить ничего. Поэтому здесь представлен не список «величайших» или «самых важных» творений классической музыки (если такой вообще можно составить) и не мой личный «топ-100», а просто подборка, которую люблю я и которую, возможно, полюбят другие. Классическая музыка (я уверен) никого не оставит равнодушным, она может тронуть каждого, но слишком часто людей пугает размах и предполагаемая сложность. С чего начать? Что слушать? Что это все значит? Вот моя попытка ответить на подобные вопросы, обратившись к чувствам и эмоциям.

Тим Бувери, июнь 2021-го.

Генри Перселл
«Дидона и Эней»

ок. 1683–1689

«Дидона и Эней» – величайшая опера, написанная на английском языке. Это единственное законченное произведение Генри Перселла. Ее первое исполнение датируется 1689 г. (годом ранее в Англии произошла «Славная революция»), хотя некоторые исследователи полагают, что партитура была написана несколько раньше. Либретто сочинил Наум Тейт (не самый популярный ирландский поэт, который в большей степени известен тем, что переделал концовку «Короля Лира» в счастливую), опираясь на четвертую книгу «Энеиды» Вергилия. Дидона, царица Карфагена, пылает любовной страстью к троянскому герою Энею. Тот разделяет ее чувства, но боги (или «ведьмы», появляющиеся вместо них в версии Тейта) постановили, что он должен оставить возлюбленную и исполнить свое предназначение, положив начало римскому народу.

Несмотря на то что это одна из первых английских опер, «Дидона и Эней» демонстрирует гениальность Перселла, воплотившего в музыке эмоции персонажей. Веселые хоры и народные танцы вносят в музыку разнообразие, но преобладает в ней страдание, предчувствие неизбежной трагедии, и именно это невероятно цепляет.

Неизбежно заставляет нас сострадать финальная ария Дидоны – самый пронзительный плач в истории музыки.

Царица решает убить себя, когда Эней отплывает из Карфагена, и умоляет служанку сохранить память о ней. «Помни меня! – заклинает она под сопровождение мрачного затихающего звучания струнных. – Помни меня, но – ах! – позабудь о судьбе моей».

Вот такую высокую цену пришлось заплатить за основание Рима.

Рекомендуемая запись: Susan Graham, Ian Bostridge, Camilla Tilling, Felicity Palmer, David Daniels, Cécile de Boever, Paul Agnew, European Voices, Le Concert d’Astrée, Emmanuelle Haïm, Virgin Classics, 2003

Арканджело Корелли
Кончерто гроссо соль минор, op. 6 № 8, «Рождественский концерт»

ок. 1685–1690

Творческое наследие Арканджело Корелли достаточно скромное: сорок восемь трио-сонат и двенадцать кончерто гроссо, но, хотя написал он немного, его влияние оказалось огромным. Скрипач-виртуоз из Романьи вырос в семье землевладельцев, но его сочинения стали образцовыми для эпохи барокко, а популяризация скрипичной музыки распространилась на всю Европу, что принесло композитору богатство и славу. Его музыка сильно повлияла на Баха и Генделя, а стилю подражало множество менее талантливых музыкантов.

В «Кончерто гроссо» (в переводе с итальянского – «большой концерт») музыкальный материал распределяется между несколькими солистами.

Хотя Корелли и не изобрел этот жанр, он добился в нем вершин мастерства.

Кончерто гроссо соль минор известен также как «Рождественский концерт», поскольку Корелли оставил в партитуре надпись «Fatto per la notte di Natale» («Написан к Рождественской ночи»). В нем чередуются шесть небольших частей, как торжественных, так и оживленных, и самая красивая из них – совершенно неземное Adagio.

Рекомендуемая запись: The English Concert, Trevor Pinnock, Archiv, 1988

Антонио Вивальди
Gloria ре минор, RV 589

ок. 1715

Венеция достигла политического расцвета в пятнадцатом веке. Золотая эра венецианской живописи в лице Беллини, Джорджоне, Тициана и Тинторетто приходится на шестнадцатый. Однако ее название – «Республика музыки» – оправдало себя в полной мере между концом семнадцатого и началом восемнадцатого века, когда Клаудио Монтеверди стал писать оперы и мадригалы, а Антонио Вивальди создал множество инструментальных, оперных и духовных сочинений.

В двадцать пять лет композитор получил сан священника, но тем не менее в основном работал в Оспедале-делла-Пьета, приюте для сирот и незаконных детей из знатных семей. Он был расположен неподалеку от площади Сан-Марко. В нем Вивальди преподавал девочкам игру на скрипке и альте, дирижировал вновь собранным хором и оркестром, а также написал большую часть своих концертов (которых больше пятисот), сто сонат, пятьдесят опер и множество различных церковных произведений.

Gloria («Слава») ре мажор (одна из двух сохранившихся Gloria авторства Вивальди) – одна из самых духоподъемных композиций для хора.

С помощью широких шагов по октавам и торжественной партии трубы Вивальди наводит нас на мысль об одном из самых пышных венецианских празднований: параде лодок и гондол, который проходит на Большом канале. Часть Et in terra pax («На земле мир») невероятно красива; дуэт сопрано Laudeamus te («Славим тебя») мерцает, словно фреска Тьеполо. Автор увлекает нас все дальше, достигая поистине небесного звучания в Domine Deus («Господи Боже»), исполняющегося сопрано в сопровождении живого нервного скрипичного ритма. Мы снова слышим главную тему в начале Quoniam tu solus sanctus («Ибо Ты один свят»), а затем приходит черед великолепной фуги Cum sancto spiritu («Со Святым Духом»), завершающей произведение. Gloria была написана в 1715 г., но оставалась забытой почти до самой Второй мировой войны, когда возродился интерес к музыке этого композитора. Gloria сочетает в себе как серьезную торжественность, так и пышный блеск «Сиятельнейшей» Венеции.

Рекомендуемая запись: Sara Mingardo, Patrizia Biccire, Deborah York, Concerto Italiano, Champagne Ardenne Vocal Academy, Rinaldo Alessandrini, Naïve, 2007

Георг Фридрих Гендель
Salve Regina, HWV 241

1707

Георг Фридрих Гендель был самым большим космополитом среди композиторов эпохи барокко. Он родился в городе Галле, который тогда относился к Бранденбургской Пруссии, в 1685 г. (в один год с Иоганном Себастьяном Бахом и Доменико Скарлатти), провел четыре года в Италии, прежде чем отправиться в Ганновер, а затем – в Лондон. Столицу Британии музыкант любил и решил остаться там, хотя перед этим уже принял предложение ганноверского курфюрста занять должность придворного композитора. Королева Анна положила ему содержание, составлявшее двести фунтов в год; сумму удалось сохранить даже после того, как его недавний наниматель Георг Людвиг, курфюрст Ганновера, взошел на трон в 1714 г. Всего двенадцать лет спустя немецкий композитор стал британским подданным. Его музыкальная зрелость, однако, пришлась на время, проведенное не в Англии.

В первой половине восемнадцатого века центром европейской музыки, бесспорно, являлась Италия.

«Нет другой страны, в которой юный мастер мог бы провести время с такой же пользой», – уверял Генделя князь Джан Гастоне Медичи.

Двадцатиоднолетний музыкант еще жил в Гамбурге. Изначально он воспринял это заявление скептически, но все же посетил Флоренцию (колыбель не только всего Возрождения, но и оперного жанра) и к началу 1707 г. уже взбудоражил Рим. Консервативно настроенное папство запретило исполнение опер в пределах города, но композиторы злостно нарушали указ, ставя театрализованные оратории и кантаты. Также Гендель писал духовную музыку, в том числе создал собственную интерпретацию псалма Dixit Dominus («Рече Господь») и молитву к Деве Марии.

Антифон Salve Regina («Славься, Царица») с большой вероятностью был впервые исполнен в день Святой Троицы в 1708 г. в церкви Санта-Мария-ин-Монтесанто (коммуна Виньянелло неподалеку от Рима). Произведение написано для сопрано соло, скрипок, органа, виолончели и генерал-баса¹. В нем слышится как влияние итальянской музыки, так и индивидуальность стиля Генделя.

Рекомендуемая запись: Emma Kirkby, London Baroque, BIS, 1999

Иоганн Себастьян Бах
Бранденбургский концерт № 4 соль мажор, BWV 1049

ок. 1711–1720

Когда в 1977 г. для исследования дальних планет Солнечной системы запускали зонд «Вояджер», у выдающегося американского биолога Льюиса Томаса спросили, что нужно поместить туда как доказательство существования земной цивилизации. Как вариант он предложил полное собрание сочинений Иоганна Себастьяна Баха, прежде чем решил, что подобный жест покажется «хвастовством». Смотрите, как высоко ценили кантора церкви святого Фомы: «Музыка обязана Баху точно тем же, чем религия – Создателю» (Роберт Шуман); «В Бахе жизненные клетки музыки соединяются воедино, как мир в Боге» (Густав Малер); «Старик Бах достиг вершин в гармонии, поэтому все джазисты от него без ума» (Найджел Кеннеди). Читатель, может быть, удивится тому, что через семьдесят лет после смерти Баха в 1750 г. его музыка совершенно перестала исполняться. Мендельсон воскресил интерес к ней в начале девятнадцатого века, положив начало «баховскому возрождению».

«Бранденбургские концерты» определили новые правила для оркестровых сочинений.

Этот цикл был написан в период с 1711 по 1720 гг., и композитор преподнес его маркграфу Бранденбургскому (младшему брату прусского короля Фридриха I) в 1721 г. в надежде, что тот предоставит ему должность при дворе. На первой странице композитор оставил подобострастное посвящение с просьбой не судить слишком строго о «скудных способностях к Музыке, которыми Небеса меня наделили». Маркграф не дал ответа, не оценив невероятное сокровище, преподнесенное ему Бахом, не предложил заплатить и, насколько известно, даже не слышал исполнения концертов. Хотя их название связано с именем правителя, музыка (как и сам Бах) ничем ему не обязана.

В защиту музыканта можно сказать только то, что у него не было ни должного опыта организации, ни возможности сыграть концерты. Бах написал произведения «для нескольких инструментов», но в каждой из работ разный состав: в Первом «Бранденбургском» концерте используются два охотничьих рожка, три гобоя, фагот и скрипка (помимо небольшого струнного оркестра, который аккомпанирует всем шести концертам); второй написан для трубы, гобоя, блокфлейты и скрипки; в третьем должно быть девять виртуозных исполнителей на струнных; в четвертом звучит скрипка и две блокфлейты; в пятом – флейта и клавесин; в шестом – два альта.

Я бы не стал говорить, что какой-то из концертов лучше, но если приходится выбирать, то на данный момент мой любимый – один из не самых популярных, № 4 соль мажор (BWV 109) с его восхитительной фугой в финале.

Рекомендуемая запись: Musica Antiqua Köln, Reinhard Goebel, Archiv, 1986

Томазо Альбинони
Концерт для гобоя с оркестром № 5 ре минор, op. 9 № 2

1722

Венецианский композитор Томазо Альбинони известен прежде всего как автор «Адажио» соль минор для струнных и органа. Мелодичная печальная элегия популярна среди кинорежиссеров, слушателей и звукозаписывающих студий. Проблема лишь в том, что это произведение написал не он.

В 1958 г. музыковед и музыкальный критик по имени Альбинони Ремо Джадзотто опубликовал «Адажио», заявив, что реконструировал его на основе фрагмента из шести тактов мелодии и генерал-баса, найденного в Саксонской земельной библиотеке в Дрездене. Тем не менее специалист отказался публиковать оригинал, и отсутствие автографа Альбинони привело многих к выводу, что Джадзотто (у которого были права на произведение) создал весьма прибыльную фальсификацию.

Бедный Альбинони! В свое время он был знаменитым оперным композитором, но до наших дней дошли всего несколько опер, а спустя двести лет после смерти музыкант стал жертвой кражи личности.

К счастью, осталось и множество подлинных оркестровых сочинений, в том числе его великолепные концерты для гобоя.

Медленная часть его Концерта ре минор особенно трогательна. У струнных – простая последовательность аккордов, а над ними льется мелодия гобоя. Мне представляется раннее утро и дымка, поднимающаяся над венецианской лагуной после карнавальной ночи.

Рекомендуемая запись: Stefan Schilli, Stuttgart Kammerorchester, Nicol Matt, Brilliant Classics, 2005

1.Г е н е р а л – б а с – басовый голос в полифоническом произведении, записанный цифрами, которые обозначают интервалы и аккорды; ориентируясь на них, исполнитель импровизирует, аккомпанируя остальным голосам. – Прим. пер.