Czytaj książkę: «Великие художники»

Дорогие друзья!

Вы, наверное, слышали о таких произведениях как «Джоконда», «Сикстинская Мадонна», «Последний день Помпеи», «Явление Христа народу». Эти творения не зря называют бессмертными. Разумеется, холст и дерево со временем ветшают, тускнеют краски, но сама память об этих произведениях будет вечной.

Жизнь художников, создававших шедевры, была отнюдь не безоблачной. Искусство требует жертв – эта крылатая фраза может стать эпиграфом почти к любой из биографий гениальных художников, скульпторов, писателей, композиторов. О многих из них написаны романы, сняты кинофильмы.

Эпохи, в которых жили и творили эти люди, отнюдь не были благополучными, и отголоски событий того времени мы всегда находим в их произведениях. Творчество и биографии художников являются прекрасным дополнением к урокам по литературе, истории, рисованию, мировой художественной культуре.

О жизни некоторых из них нам известно очень мало: созданные ими шедевры современники не оценили при жизни, и лишь время определило их истинную ценность для нас, потомков. Многие творения, увы, не сохранились, но до нас дошли их копии или описания очевидцев. Спустя сотни лет только по ним мы можем судить о величии человеческого гения.

Все статьи в этой книге расположены в алфавитном порядке. Если вы встретите в тексте имена художников, набранные курсивом, значит в справочнике имеются отдельные статьи о них.

Разумеется, в краткой биографической статье невозможно подробно рассказать о жизни художника и перечислить все его работы. Дополнительный материал вы найдёте в справочных пособиях, художественных альбомах и музейных каталогах, произведениях художественной литературы и книгах по истории.

АЙВАЗО́ВСКИЙ (ГАЙВАЗО́ВСКИЙ) Ива́н Константи́нович

(1817–1900) – русский живописец, крупнейший мастер морского пейзажа.

Айвазовский родился в Феодосии, в семье армянского торговца. Склонность к рисованию проявилась у него в самом раннем возрасте. Первыми детскими рисунками стали копии гравюр. Талант юного художника привлёк внимание городского архитектора, который помог определить его в симферопольскую гимназию, а затем в Академию художеств в Санкт-Петербурге. Уже в 1835 г. он представил на академической выставке свою первую картину – «Этюд воздуха над морем». Осеннюю выставку 1836 г. в Петербурге, на которой были представлены пейзажи Айвазовского, посетил А. Пушкин, и художник был представлен поэту. В 1837 г. за три морских вида, и, в особенности за превосходную картину «Штиль на Финском заливе», ему была присуждена Большая золотая медаль.

В 1838–1839 гг. Айвазовским были написаны виды крымских городов Ялты, Севастополя и Керчи. В Крыму художник получил возможность изучить конструкции военных кораблей, стал свидетелем морских учений. Итогом его наблюдений стала картина «Высадка у Субаши» (1839) – первое батальное полотно художника.

В 1840–1844 гг. художник посетил Италию, Германию, Францию, Испанию и Голландию. «Рим, Неаполь, Венеция, Париж, Лондон, Амстердам удостоили меня самыми лестными поощрениями», – вспоминал Айвазовский.

В двадцать семь лет получивший европейское признание художник стал членом четырёх Академий – Петербургской, Римской, Пармской и Амстердамской. В 1844 г. Айвазовский был назначен живописцем Главного морского штаба. В 1845 г. художник совершил путешествие по Средиземному морю с экспедицией Ф. Литке, после чего вернулся в родную Феодосию, где и жил до конца своих дней.

Айвазовский одним из первых ввёл в практику художественной жизни организацию персональных выставок. Почти ежегодно он бывал со своими выставками в Петербурге, в других городах России, выезжал за границу.

Значителен вклад Айвазовского в батальную живопись. Картины морских сражений проникнуты патриотическим воодушевлением. В них отражены победы русского флота, подвиги русских моряков: «Пётр I на берегу Финского залива» (1846), «Чесменский бой» (1848), «Наваринский бой» (1850). Во время Крымской войны (1853–1856) Айвазовский посетил осаждённый Севастополь и написал ряд картин, посвящённых обороне города, среди которых такие, как «Синопский бой», «Осада Севастополя» (1859) и др.

Стремление Айвазовского передать особое состояние природы ярко выразилось в известной картине «Девятый вал» (1850). Возвышенное романтическое чувство передано в контрастах насыщенного тёмно-зелёного цвета волн, марева, окутавшего рассветное солнце, в оттенках пенных гребней.

В 50—70-е гг. Айвазовский совершил поездки на Украину и Кавказ, итогом которых стали картины «Камыши на Днепре» (1857), «Летний вечер на Украине» (1872).

В 1877 г. художник выезжал в Париж, где создал серию работ «Четыре времени года».

В последние годы жизни Айвазовским был написан ряд картин, посвящённых А. Пушкину: «Пушкин на Ай-Петри» (1887), «Прощание Пушкина с морем» (1897), «Пушкин у гурзуфских скал» (1899).

Айвазовский отдал много сил благоустройству Феодосии. Его усилиями в городе были сооружены археологический музей, школа, клуб, а в 1880 г. открылась картинная галерея. После смерти Айвазовского картинная галерея по завещанию перешла в собственность города. Ныне здесь крупнейшее собрание картин мастера.

Умер художник во время работы над вариантом композиции «Взрыв корабля».

АПЕЛЛЕ́С

(IV в. до н. э.) – легендарный художник античности.

Апеллес родился на острове Колофон, был учеником знаменитых эфесских мастеров, работал при дворе Филиппа и Александра Македонских.

Он создал ряд изображений Александра Македонского, изображения античных богов и богинь. К сожалению, ни одной работы художника до нашего времени не дошло. Согласно легендам, Апеллес писал картины темперой на деревянных досках, используя лишь четыре краски – белую, чёрную, красную и жёлтую, но при этом добивался удивительного цветового разнообразия. Вершиной его творчества считались изображения богини Афродиты. По преданию, он умер, работая над одним из них.

Бе́рдслей О́бри Ви́нсент

(1872–1898) – английский график, поэт, музыкант, один из основоположников стиля модерн.

Бердслей родился в городке Брайтон, в семье ювелира, но скоро потерял отца. С самого раннего детства испытывал тягу к искусству, но систематического художественного образования не получил. В 1883 г. вместе с семьёй юный художник переехал в Лондон, стал зарабатывать деньги концертами и рисованием. В 1884 г. Бердслей с сестрой вернулись в Брайтон. Художник поступил в Брайтонскую школу и учился там вплоть до 1888 г., а год спустя заболел туберкулёзом. Он перестал выступать с концертами и забросил рисование.

В 1891 г. Бердслей почувствовал себя лучше и вернулся к творчеству. Два месяца проучился в Вестминстерской художественной школе, потом получил заказ на оформление книги Т. Мэлори «Смерть Артура», которая была опубликована в 1893–1894 гг. Он оформил пьесу О. Уайльда «Саломея» (1894), а также несколько выпусков альманаха «Жёлтая книга» (1894–1895).

С 1894 г. имя Бердслея стало пользоваться громкой, даже скандальной славой. Он иллюстрировал книги и журналы, оформлял рекламные листовки, плакаты, пригласительные билеты, экслибрисы.

В 1896 г. Бердслей получил место художественного редактора журнала «Савой», просуществовавшего, увы, недолго. В этом же году Бердслей сделал серию рисунков к комедии Аристофана «Лисистрата», которые вызвали гнев чопорной английской критики, обвинения в непристойности.

С каждым годом здоровье художника ухудшалось: чахотка прогрессировала. Последние два года жизни Бердслей провёл во Франции, где климат считался более подходящим для его здоровья. Там он сочинял повесть «История Венеры и Тангейзера», которая осталась незаконченной. Незадолго до смерти художник принял католичество и обратился к своему издателю с просьбой уничтожить все его «непристойные» рисунки. Просьба художника не была выполнена.

Боровико́вский Владимир Лукич

(1757–1825) – русский художник-портретист.

Боровиковский родился на Украине в Миргороде, в семье казака. По семейной традиции он был определён на военную службу, но в чине поручика вышел в отставку и посвятил себя искусству.

Согласно некоторым источникам, важную роль в судьбе художника сыграла Екатерина II. Во время своего путешествия в Крым в 1787 г. она пригласила его в Петербург. В 1789 г. Боровиковский не был учеником Академии художеств, но к середине 90-х гг. он преуспел в живописи настолько, что в 1795 г. был признан академиком, а затем и советником портретного искусства Академии художеств. В этом сыграл свою роль написанный им портрет Екатерины II (1794–1795).

Он выработал особую манеру письма: мягкие переливы тонов, «фарфоровость» живописной поверхности соединялись у мастера с чёткостью и классической стройностью линий.

К лучшим произведениям Боровиковского принадлежат женские портреты. Позы, движения рук, пейзажи служат своеобразным обрамлением, в котором находится лицо модели. Портреты М. Лопухиной (1797), Е. Нарышкиной (1799), сестёр Куракиных и сестёр Гагариных (1802) поражают своей гармонией, поэтической образностью, лиричностью. Реалистические основы творчества Боровиковского особенно ярко проявились в парадных портретах генерал-майора Ф. Боровского (1799), Павла I и князя А. Куракина (ок. 1800). Художник также работал в жанре миниатюрного портрета, который был широко распространён в конце XVIII в.

В 1802 г. художник был привлечён к работам по украшению Михайловского замка, а в 1804 г. – строящегося Казанского собора, для которого выполнил десять икон.

После смерти мастера его любимый ученик А. Венецианов писал в письме к другу: «Почтеннейший и великий муж Боровиковский кончил дни свои, перестал украшать Россию своими произведениями и терзать завистников».

Босх Иерони́м

(ок. 1460–1516) – псевдоним нидерландского живописца Иерона ван Акена, предвосхитившего в своём творчестве многие тенденции развития искусства.

Иерон ван Акен родился в городе Хертогенбос в Северном Брабанте. Первые уроки изобразительного искусства получил у деда и отца – профессиональных живописцев, потом обучался в нидерландских городах Гаарлеме и Делфте. В 1480 г. он вернулся в Хертогенбос и женился на богатой аристократке. Брак сделал художника материально независимым и дал возможность писать, как он хочет. Впрочем, он не отказывался работать и на заказ. Слава о его искусстве распространилась далеко за пределы родной страны, к художнику обращались с заказами многие выдающиеся люди Европы, в том числе короли Испании и Франции. После смерти художника испанский король Филипп II собрал лучшие произведения Босха. Большинство картин Босха не имеет датировки, поэтому основные вехи его творчества можно обозначить лишь приблизительно.

Среди ранних работ художника наиболее известна картина «Семь смертных грехов» (ок. 1480), где уже наметились основные тенденции его творчества – внимание к мелким деталям, зачастую фантастическим, характерное для искусства Средних веков, и интерес к реальной действительности, свойственный мастерам Возрождения.

Яркий пример этого – картина «Воз сена» (1500–1502), сюжет которой продиктован старой нидерландской поговоркой: «Мир – стог сена, и каждый старается отхватить от него сколько может». Суетливая и грешная людская толпа противопоставлена здесь гармоничному лику мира с Христом в небесах, который изображён на заднем плане.

В творческом наследии художника много произведений духовного содержания, которые по сей день способствуют появлению противоречивых толкований и оценок. Противоестественное сочетание звериного и человеческого, живого и мёртвого, механизмов и чудовищ, более характерное для искусства XX в., заставило сюрреалистов провозгласить Босха своим отцом и предтечей, назвать его «почётным профессором кошмаров». И действительно, такие картины, как «Страшный суд» (конец XV в.), «Алтарь Святого Антония» (1490–1508), «Сад наслаждений» (начало XVI в.) и другие дают для этого все основания.

Однако творчество Босха гораздо шире – он создавал реалистические зарисовки с натуры, картины чисто бытовой тематики («Шарлатан», «Бродяга», «Операция от ума»). Босх также являлся создателем прекрасных поэтических пейзажей. Он – один из основоположников жанровой и пейзажной живописи в Европе.

Наследие художника – настоящая энциклопедия средневековой жизни. В его работах встречаются здания самой разнообразной архитектуры, древней и современной ему, восточной и европейской, плавильные печи, кузнечные горны, экипажи, корабли. На его полотнах представлены все известные к тому времени представители флоры и фауны.

Бре́йгель Пи́тер ста́рший, по про́звищу Мужи́цкий

(ок. 1525/30-1569) – нидерландский живописец, график и гравёр, основоположник реалистического фламандского и голландского искусства.

Брейгель родился в крестьянской семье, предположительно в деревне Брейгель. До 1550 г. он был учеником Питера Кука ван Альста, а в 1551 г. вступил в Гильдию св. Луки (гильдия художников) в Антверпене. В 1552 г. молодой художник отправился в Италию, по которой путешествовал около года, и посетил Болонью, Неаполь, Рим и Флоренцию. В 1554 г. он вернулся в Антверпен с большим количеством графических работ, часть из которых была использована художником в серии «Больших пейзажей» (1555–1556). В некоторых работах встречаются фантастические и фольклорные мотивы.

В Антверпене Брейгель обращается к живописи. Одна из первых работ этого периода – «Падение Икара» (1555–1558), в которой художник по-своему трактует известный древнегреческий миф.

Работы Брейгеля были близки к другим жанрам искусства того времени – фольклору, средневековому народному театру. Характерна картина «Битва Масленицы и Поста» (1559), в которой комедианты изображены в толпе зрителей. Картина «Фламандские пословицы» (1559) является своеобразной энциклопедией фольклора: на пространстве 117 x 163 см художник поместил более ста иллюстраций к пословицам, басням и поговоркам.

Новаторство Брейгеля состоит в том, что он изображал человеческий труд, но не пытался идеализировать людей из народа, а наоборот – придавал им нарочитую грубость, озорной юмор. Очень часто в творчестве художника встречаются гротескные фигуры нищих и калек.

С 1559 г. и до конца жизни художник жил и работал в Брюсселе. Этот период был самым плодотворным в его творчестве. Основное внимание в своей живописи художник уделял пейзажу – реалистически изображал природу своей страны, отказавшись от широко распространённого тогда условного ландшафта, заимствованного из итальянской традиции. Наиболее ярко это проявилось в серии «Времена года», или «Месяцы» (1565).

Политическая обстановка в Нидерландах того времени была напряжённой. Страной управляли испанцы, которые не считались с местными обычаями и законами. Подстрекаемые протестантскими проповедниками люди разоряли католические храмы, вымещая на них свою ненависть к папскому Риму. В 1566 г. король Испании для усмирения мятежников послал многотысячную армию под командованием герцога Альбы.

Кровавые события тех дней нашли отражение в творчестве Брейгеля. Это, прежде всего, картина «Избиение младенцев в Вифлееме» (1566), где суровый старец в чёрном, руководящий расправой, обладает портретным сходством с герцогом Альбой. На картине «Обращение Савла» (1567) лицо Савла также напоминает грозного военачальника.

В картинах последних лет жизни «Крестьянская свадьба» и «Крестьянский танец» (1566–1567) художник передал жизнеутверждающую энергию нидерландского народа. В то же время картина «Слепые» (1568) оставляет ощущение мрачной безысходности.

Брейгель скончался в Брюсселе. До конца своих дней он работал над картиной «Торжество правды», которая, по отзывам современников, была лучшим из его творений. Ни сама картина, ни её описания не дошли до нас.

Брюлло́в Карл Па́влович

(1799–1852) – русский живописец, график, педагог.

Родился в семье академика орнаментальной скульптуры Павла Брюлло.

В 1809–1821 гг. учился в Академии художеств. Уже в студенческих работах отходил от строгих академических канонов, чем вызывал недовольство учителей.

В 1822 г. на средства недавно основанного Общества поощрения художников¹ вместе с братом Александром отправился в Италию, где занялся изучением античной скульптуры, ватиканских фресок Рафаэля, а также искусства других великих живописцев прошлого. Вопреки инструкциям Общества Брюллов увлёкся жанровой живописью. Его особенно привлекала передача непосредственности выражения человеческих чувств. Это способствовало появлению в творчестве художника интереса к камерно-интимному портрету и портрету-картине.

В Италии Брюллов создал и своё самое значительное произведение – «Последний день Помпеи», над которым работал в 1830–1833 гг. Полотно выставлялось в разных городах Европы. Успех был огромный: Брюллова избрали почётным членом Миланской академии изящных искусств, Академий Болоньи, Флоренции, Пармы; в Париже ему присудили Большую золотую медаль. В 1835 г. Брюллов путешествовал по Греции, Турции и Малой Азии. В этой поездке он создал свои лучшие графические произведения – серию греческих этюдов. В Константинополь он отправился на бриге «Фемистокл», где написал акварельный портрет капитана В. Корнилова. В январе – мае 1836 г. жил в Москве, где создал серию портретов – А. Перовского, А. Толстого, Л. Маковской, актрисы Е. Семёновой. В это же время художник познакомился с А. Пушкиным.

В июне 1836 г. в Академии художеств было устроено торжество по случаю приезда Брюллова в Петербург. Он был избран профессором Академии художеств и преподавал в ней до 1849 г. В этот период Брюллов написал около восьмидесяти портретов, отмеченных тонким психологизмом, в которых, по словам В. Белинского, «схвачено не одно внешнее сходство, но и вся душа оригинала». Наиболее известные из них – портреты Ю. Самойловой (ок. 1832), Н. Кукольника (1836), В. Жуковского (1838), И. Крылова (1841). С 1843 по 1847 г. Брюллов расписывал плафон и барабан купола Исаакиевского собора. В 1848 г. во время болезни написал знаменитый «Автопортрет», а в 1849 г. уехал на лечение за границу. Сначала Брюллов жил на острове Мадейра, совершил поездку по Испании, а с 1850 г. до самой смерти жил и работал в Италии.

Ван Гог Винсе́нт

(1853–1890) – голландский живописец, представитель постимпрессионизма в мировом искусстве.

Ван Гог родился в деревне Гроот Зюндерт, в семье пастора. С шестнадцати лет работал продавцом картин, потом помощником учителя. В 1878 г. стал проповедником в шахтёрском районе на юге Бельгии. Он раздал всё своё имущество бедствующим шахтёрам, скитался, не имея друзей и денег, а в двадцать семь лет решил стать художником.

Первый период творчества художника – «голландский» (1881–1885), он был отмечен шедевром «Едоки картофеля» (1885). В нём художник отказался от «фотографической» достоверности, деформировал фигуры и лица персонажей.

В 1886 г. Ван Гог приехал в Париж, где познакомился с художниками-постимпрессионистами К. Писсарро, П. Гогеном, Э. Дега и др. Этот период («парижский») ознаменовался сменой палитры красок: мрачные тона уступили место светлым и ярким, а социальные сцены – видам Парижа, натюрмортам, портретам.

С картины «Портрет папаши Танги» (1887) начался третий период творчества художника – «арльский».

В 1888 г. Ван Гог, уже зрелый мастер, переехал в городок Арль на юге Франции, чтобы создать там колонию художников. Картины, созданные в это время, полны южного солнца: «Подсолнухи», «Грушевое деревце», «Деревья в цвету», «Долина Кро». Художник трудился не покладая рук и создавал до пяти полотен в неделю.

Вскоре в Арль по приглашению Ван Гога приехал П. Гоген, который не имел средств к существованию. Визит П. Гогена в Арль закончился ссорой, а Ван Гог в приступе безумия отрезал себе мочку уха. Однако болезнь не лишила художника способности писать. Он добровольно отправился в учреждение для душевнобольных, где продолжал работать. В клинике он создаёт три автопортрета, среди которых наиболее известен «Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой» (1888), а также другие работы.

Автопортрет занимает особое место в творчестве художника. В 1886 г. Ван Гог создал цикл из шести работ, много полотен со своим изображением написал в Париже в 1887–1888 гг. Последние десять полотен, написанные в Арле и в клинике, отличаются наибольшей выразительностью.

В 1890 г. художник решил оставить клинику и поселился в местечке Овер, где создал свои последние работы, которые отличаются мрачным, мистическим настроением: «Мэрия в Овере», «Церковь в Овере», «Звёздная ночь», «Вороны над полем пшеницы».

Художник покончил жизнь самоубийством в возрасте тридцати семи лет.

Васнецо́в Ви́ктор Миха́йлович

(1848–1926) – русский живописец, график, архитектор.

Васнецов родился в селе Лопьял Вятской губернии, в семье сельского священника. По настоянию родителей он учился в духовном училище, а потом в семинарии. В 1867 г. Васнецов оставил семинарию и уехал в Петербург, начал учиться в Рисовальной школе Общества поощрения художников. Деньги для поездки в Петербург предприимчивый юноша получил, написав две картины маслом и разыграв их в лотерею.

В 1868 г. он поступил в Академию художеств, познакомился с И. Репиным, И. Крамским и другими художниками. Во время учёбы Васнецов зарабатывал на жизнь рисунками и гравюрами, иллюстрировал книги и журналы.

В 1878 г. он стал членом Товарищества передвижных художественных выставок. Ранние картины Васнецова представляли собой жанровую живопись, которая тогда пользовалась большой популярностью: «Нищие певцы» (1872), «Чаепитие» (1873–1874), «Книжная лавочка», «С квартиры на квартиру» (1876) и др.

В 1876–1877 гг. Васнецов работал во Франции, где написал полотно «Балаганы в Париже» (1877) и создал эскиз к будущему шедевру «Богатыри».

В Санкт-Петербурге он создал ещё несколько жанровых картин, из которых самой известной является «Преферанс» (1879), изображающая пустоту и убожество чиновничьего быта.

В 1878 г. Васнецов переехал в Москву, и в его творчестве появились новые темы: русская история, былины, народные сказки. В 1880 г. художник написал большое полотно «После побоища Игоря Святославича с половцами», а за ним последовали «Алёнушка» (1881), «Витязь на распутье» (1882), «Иван-царевич на сером волке» (1889) идр.

Совместно с другими художниками Васнецов занимался росписью Владимирского собора в Киеве (1882–1885), он привнёс в канонические схемы иконописи выразительность, живость народных характеров.

Панно «Каменный век» (1883–1885), созданное художником для Исторического музея, произвело огромное впечатление на современников.

В Москве художник сблизился с семьёй промышленника и мецената С. Мамонтова, часто бывал в их имении Абрамцево под Москвой, где летом гостили многие известные художники, ставились спектакли.

В Абрамцево Васнецов попробовал свои силы в архитектуре: по его проекту была построена небольшая церковь-усыпальница. Там же он соорудил «Избушку на курьих ножках» – образец сказочной архитектуры.

В первые годы XX в. по рисункам художника были выполнены фасады здания Третьяковской галереи и нескольких частных домов.

Художник также создал много портретов, из которых наиболее известны: портрет крестьянина И. Петрова (1883), портрет М. Антокольского (1884), портрет Т. Мамонтовой (1884).

Около двадцати лет художник работал над монументальной картиной «Богатыри» (1881–1898), в которой воплотил мужество и отвагу русского народа.

После революции 1917 г. Васнецов продолжал создавать былинные и сказочные полотна. Многим замыслам художника не суждено было осуществиться. Васнецов умер в Москве, в своей мастерской, во время работы над портретом художника М. Нестерова.

Вела́скес Дие́го Родри́гес де Си́льва

(1599–1660) – испанский художник, наиболее яркий представитель периода высшего расцвета испанского искусства.

Веласкес родился в Севилье, в семье небогатого дворянина, выходца из Португалии Хуана Родригеса де Сильва (художник выбрал фамилию матери – Веласкес). Живописи он учился у признанных мастеров того времени, работал в художественной мастерской в Севилье и в 17 лет получил звание мастера.

Картины этого периода представляют собой сцены из народной жизни – «Завтрак» (ок. 1617), «Старая кухарка», «Продавец воды» (до 1623).

В 1623 г. Веласкес переехал в Мадрид, где стал придворным художником Филиппа IV и оставался им до самой смерти.

Знакомство с шедеврами мастеров итальянского Возрождения из Королевского собрания в Мадриде, встреча с П. Рубенсом в 1628 г., две поездки в Италию – всё это оказало сильное влияние на дальнейшее творчество мастера.

Портрет занимает основное место в творчестве Веласкеса. В основном художник рисовал членов королевской семьи и их приближённых. Несмотря на парадную торжественность изображений, художник сумел передать психологические особенности каждого человека, раскрыть его внутренний мир. Таковы портреты аристократов Алонсо Кано (ок. 1633), Мартинеса Монтаньеса (ок. 1637), министра Оливареса (ок. 1638). Над женскими портретами художник работал реже. Среди них лучшим считается «Дама с веером» (ок. 1648).

С 1653 по 1660 г. художник создал серию изображений инфанты Маргариты, которые позволяют проследить, как из маленькой девочки она превращается в девушку-подростка.

В творчестве Веласкеса часто встречаются мифологические сюжеты, порой дающие художнику возможность передать сцены из народной жизни, как, например, в картинах «Вакх», или «Пьяницы» (ок. 1627), «Кузница Вулкана» (1630). В 30—40-е гг. художник создал знаменитый цикл «Шуты и карлики», образы которого наполнены сильнейшим эмоциональным содержанием.

В 1650 г. Веласкес создал знаменитую картину «Венера перед зеркалом», которая воплощает идеал женской красоты. Художник писал картину в Италии, потому что испанская инквизиция запрещала изображать обнажённое женское тело.

Наивысшего мастерства Веласкес достиг в последнее десятилетие своей жизни. К числу шедевров мирового искусства принадлежат: портрет Папы Иннокентия X (1650), изображённого с беспощадной правдивостью, и два многофигурных полотна – «Меняны», или «Придворные дамы» (1656) и «Пряхи» (ок. 1657), символика которых до сих пор остаётся загадкой для искусствоведов.

Незадолго до смерти Веласкес, обладатель почётных званий и должностей при дворе, был возведён в рыцари и принят в аристократический военный орден Сантьяго.

Венециа́нов Алексе́й Гаври́лович

(1780–1847) – русский художник и педагог, основоположник бытового жанра в русской живописи.

Венецианов родился в Москве, в семье купца. Отец художника торговал плодовыми деревьями и ягодными кустарниками. В объявлениях купца Венецианова, помещённых в «Московских ведомостях», сообщалось не только о продаже саженцев, но и о продаже картин «по сходным ценам». Скорее всего, это были произведения юноши.

В 1807 г. Венецианов приехал в Санкт-Петербург, где служил в департаменте почт, а в свободное время делал копии с картин в Эрмитаже, рисовал портреты знакомых и близких. Он также брал уроки у художника-портретиста В. Боровиковского.

В 1811 г. Венецианов за две свои работы – «Автопортрет» и «Портрет К. И. Головачевского, инспектора Академии художеств, с тремя воспитанниками Академии» – получил звание академика. В это же время Венецианов занимался графикой. В конце 1807 г. он выполнил офорты для предпринятого им издания «Журнал карикатур на 1808 год в лицах» – первого в России иллюстрированного юмористического журнала. Однако рисунки, выполненные художником, были слишком смелыми, и журнал был запрещён. Во время Отечественной войны 1812 года он создал целую серию патриотических карикатур.

Однако настоящее призвание художник нашёл не в графике и не в искусстве портрета. Сущность его дарования проявилась в жанровой, бытовой живописи. В 1819 г. Венецианов ушёл с государственной службы и поселился в поместье Сафонково Тверской губернии. Жизнь в деревне дала художнику богатый материал, открыла новый мир, красоту и поэтичность родной природы. Центральным произведением в творчестве художника явилась картина «Гумно» (1823), которая открыла новую страницу в русской живописи. Художник сделал серию произведений на крестьянские темы. Русские крестьяне в изображении Венецианова – люди, преисполненные душевной красоты и благородства, внутренне цельные и гармоничные. Новаторство художника заключалось в том, что он обратился к ранее запретной для русского искусства теме – труду русских крестьян. Подлинный расцвет творческого дарования Венецианова падает на 1820–1830 гг. В этот период написаны такие шедевры, как «На пашне. Весна», «На жатве. Лето», «Дети в поле», «Спящий пастушок».

Венецианов сыграл выдающуюся роль в истории русского искусства как педагог. В Сафонкове он создал собственную живописную школу, куда набирал учеников из крепостных. Творчество Венецианова олицетворяло новый этап в развитии школы реализма: народная жизнь и русская природа стали объектом пристального отображения.

Жизнь художника оборвалась внезапно: он был сбит проезжавшим экипажем.

Верме́р Де́лфтский Ян

(1632–1675) – голландский живописец, крупнейший мастер делфтской школы живописи.

Вермер родился в городе Делфте, в семье торговца шёлком и картинами, который позднее стал владельцем гостиницы. Торговлю картинами и гостиницу отец передал по наследству сыну. Вермер женился на дочери богатого бюргера, а в 1653 г. был принят в Гильдию св. Луки (гильдия художников).

Под руководством своего учителя К. Фабрициуса Вермер писал картины на религиозные и мифологические темы – «Христос у Марфы и Марии», «Диана с нимфами». Однако в 1654 г. учитель художника погиб, и Вермер начал изображать окружающую его жизнь.

Известно около сорока его картин: художник работал медленно, создавал произведения для узкого круга друзей и редко их продавал, хотя его картины ценились чрезвычайно высоко.

Среди его первых картин наиболее известны «Девушка с письмом» (ок. 1657), «Служанка с кувшином молока» (ок. 1658), «Кружевница» (1664–1665), «Любовное письмо» (ок. 1667).

К тому же периоду принадлежат несколько изображений родного города – «Улочка» (ок. 1658), «Вид Делфта» (ок. 1660).

Позднее в своём творчестве он обращается к сценам из жизни богатых кавалеров и дам, подробно изображает богатые интерьеры, предметы быта, наряды и драгоценности в таких картинах, как «Концерт», «Дама, примеряющая ожерелье», «Дама, взвешивающая жемчуг».

Художник писал тонкой кистью, тщательно накладывал мелкие мазки, а завершал работу лёгкими, едва заметными касаниями кисти. Его картины кажутся чрезвычайно яркими, насыщенными цветом, а его техника наложения красок до сих пор остаётся загадкой для искусствоведов.

Одно из самых значительных произведений Вермера – «Искусство живописи», созданное им в поздний период творчества (1665–1667). Мастер изобразил себя за мольбертом, но сидит он, повернувшись спиной к зрителю. Картина насыщена символикой и в то же время представляет собой жанровую сцену.

В последние годы жизни художник тяжело болел и работал мало, а вскоре после смерти был забыт. Лишь в эпоху импрессионизма его картины, полные лиризма и поэзии, были оценены по достоинству.